Hoppers: La película donde Pixar se atrevió a romper sus propias reglas

“”Hoppers”, que llega a las salas el 6 de marzo de 2026, cuenta la historia de Mabel, una joven de 19 años obsesionada con los animales que descubre una tecnología revolucionaria: cuerpos robóticos que le permiten transferir su mente a distintos animales. Su misión es infiltrarse en el mundo animal para convencer a los castores a que salven un estanque, un espacio que compartía con su abuela, de la codicia inmobiliaria que el alcalde (Jon Hamm) quiere destruir.

Suena como una premisa estándar de Pixar. Misión imposible. Un mundo subterráneo de descubrir. Una sociedad animal con sus propias reglas.

Pero Hoppers no es una película estándar de Pixar.

El director que vino de la televisión

Daniel Chong creó “We Bare Bears” para Cartoon Network. En esa serie produjo 140 episodios. Fueron casi cinco años de escritura semanal, de pensar cómo contar historias en 22 minutos, de dominar el timing de la comedia televisiva y experimentar a una velocidad que requiere agilidad mental y maestría.

Cuando Chong llegó a Pixar como director de largometraje por primera vez, trajo exactamente eso: la velocidad mental de la televisión.

“Creo que vine con una obsesión muy fuerte de hacer una película divertida,” explicó Chong durante la presentación de prensa en Pixar Studios a mediados de enero. “Todos dicen que una película de Pixar te hace llorar. Es cierto. Pero para mí, una película de Pixar es sobre personajes, personajes cómicos que son realmente entretenidos y en los que inviertes”.

Lo interesante fue lo que agregó después: “En televisión haces 140 episodios, inevitablemente estás haciendo muchos géneros diferentes. Estás parodiando películas distintas. Cuando vine a Pixar, quería traer eso: diferentes tonos, géneros, rareza, surrealismo, pero también cosas impactantes y acción.”

Eso fue la apuesta. Que Pixar dejara entrar a alguien de televisión para que contaminara el proceso con energía televisiva. Que un estudio construido sobre la narrativa emocional profunda permitiera que alguien dijera: “Quiero hacer que el timing de la comedia sea todo”.

Los castores fueron los héroes inesperados

“Originalmente pitcheé pingüinos,” reconoció Chong en la conferencia de prensa. “La idea era que los pingüinos estaban desapareciendo. Viajaban al Ártico para investigar qué estaba pasando. Se infiltraban en la sociedad de los penpingüinosguins. Parte del chiste era que hay tantos pingüinos que estás buscando sospechosos y pistas—un elemento de misterio”.

El concepto iba a ser global. Una película tipo Misión Imposible. Espías en el Ártico.

Pero algo cambió durante la pandemia. Pixar trabajó con Damon Lindelof, creador de Lost, en una sesión de desarrollo creativo. Nicole Grindle, la productora, recordó ese momento: “Damon fue muy enfático. Dijo: ‘La película es demasiado grande. Solo hazla en un área local. Eso va a simplificar todo’.”

Tenía razón. Los pingüinos quedaron en el archivo.

“No murió por eso,” explicó Chong. “Murió porque hay demasiadas películas de pingüinos”.

Pero el cambio fue más profundo que simplemente cambiar especie. Al reducir el alcance geográfico, Pixar permitió que Chong profundizara. El Glade se convirtió en un lugar específico. Los castores dejaron de ser simples personajes secundarios y se volvieron una sociedad compleja. La película ganó especificidad.

Cuando el equipo tuvo que reaprender

El 14 de enero estuve en Pixar Studios. Hablé con animadores que llevan más de una década en el estudio. Todos dijeron algo similar: Hoppers los obligó a repensar cómo animan.

Luis Uribe Córdoba cumple 11 años en Pixar este año. Ha trabajado en “Elemental”, “Luca” y “Good Dinosaur” por citar algunas. Conoce el sistema Pixar como pocos. Pero en Hoppers, tuvo que convertirse en estudiante nuevamente.

“Los animadores somos como actores de la película,” explica Uribe en una de las salas de trabajo del estudio. “El director te hace un kickoff y te explica qué necesita en cada escena. En ‘Hoppers’, por ejemplo, con el King George necesitábamos que transmitiera poder, emoción en cada movimiento”.

El problema: animar cuadrúpedos.

“Animar un cuadrúpedo siempre es complicadísimo,” dice Uribe. “Cuando eres bípedo, simplemente te miras en el espejo. Pero a un cuadrúpedo tienes que realmente estudiar videos de referencia, ver todos los detalles de la mecánica del cuerpo”.

La cola plana y pesada del castor. Las patas traseras haciendo todo el trabajo cuando nada. El peso particular de una cabeza grande en un cuerpo voluminoso. Pixar trajo un experto en comportamiento animal. El equipo pasó semanas estudiando solo eso.

“Nos costó trabajo,” recuerda Uribe. “Pasamos meses entendiéndolo. El director tuvo que adaptarse a cómo hacemos el proceso acá y nosotros a su visión”.

¿El resultado? Un equipo que vio diferente. Uribe y sus colegas animaron castores y en el proceso descubrieron un nuevo lenguaje visual dentro del lenguaje Pixar.

Parte de eso vino de mirar hacia atrás. “Nos inspiramos mucho en técnicas 2D,” explica Uribe. “Vimos mucho el show que Daniel había hecho fuera del estudio. Llegamos a un punto donde nos encontramos. A él le gustó lo que estábamos haciendo y finalmente quedó lo que ves en pantalla”.

La investigación que nadie ve

Gaston Ugarte es director de arte en Pixar desde 1997. Trabajó en “WALL-E”, “Coco”, “Luca”. En Hoppers, diseñó espacios icónicos: el Super Lodge (la fortaleza de los castores), el laboratorio, la universidad, la ciudad.

Su trabajo comienza con obsesión por la investigación.

“Lo más difícil fue la investigación,” dice Ugarte durante nuestra conversación en Pixar. “Viajamos a Colorado para examinar los hábitats de los castores”.

Pero lo crucial es esto: Pixar no se limitó a contratar a un documentalista ni a pedir a su equipo que descargara imágenes de Getty. Lo que hicieron fue ir directamente a Colorado.

“Los castores son animales super tímidos,” explica. “Están siempre escondidos. Son nocturnos. Cuando fuimos a investigar, lo más difícil era encontrar un castor de verdad para poder verlo”.

Eso es Pixar. Un estudio que manda a su equipo de arte a la noche en Colorado para buscar castores nocturnos. Porque la autenticidad visual no viene de internet. Viene de ver con tus propios ojos.

El equipo también visitó el Oakland Zoo. Estuvieron en el campo, estudiando vidas reales, traduciendo después eso en el Super Lodge, ese laberinto acuático y arquitectónicamente complejo que es uno de los espacios memorables de la película.

“Nuestro trabajo es recrear todo lo que no es un personaje,” dice Ugarte. “Desde las piedras hasta las casas, los árboles. Todo. En ‘Hoppers’, eso significaba que cada castor, cada escena acuática, cada rincón del Glade se sintiera verdadero dentro de la ficción”.

La obsesión por la comedia

Pero aquí es donde la obsesión de Daniel Chong se vuelve visible.

Hay una línea en Hoppers que dice: “This is like Avatar.“

Es un chiste brillante. La película juega con la premisa de que Mabel está haciendo exactamente eso—transferir su consciencia a un cuerpo animal. La línea es auto-consciente, irónica. Pero lo importante es cómo se dice.

Piper Curda, quien voz a Mabel, tuvo que grabar esa línea 84 veces.

“No es una crítica a Piper en absoluto,” aclaró Chong cuando alguien en la conferencia preguntó por eso. “Ella es increíble. Hizo 84 lecturas muy diferentes. Esto habla de cuán obsesionado estoy con la comedia”.

Continúa: “El timing de cada frame, cada lectura, cada inflexión importa. Hay tantas formas de decir ‘This is like Avatar’. Pero ¿cuál es la más inesperada? Tiene que sentirse natural, como si fuera lanzada sin esfuerzo. Eso es cuando se vuelve más divertido, porque no se siente actuado”.

A veces, según Chong, el cambio venía porque la historia había evolucionado. El setup de la broma cambió. Las escenas anteriores fueron modificadas. Eso significaba que la inflexión que funcionaba el lunes ya no funcionaba el martes.

Eso es la comedia en Pixar bajo Chong: obsesión científica. Precisión de laboratorio. El timing es todo.

Meryl Streep y el riesgo de casting

Nicole Grindle, la productora, contó la historia del casting de Meryl Streep para la Insect Queen.

“Usamos a Meryl como una referencia cuando estábamos diseñando el personaje,” explica. “Necesitábamos que la gente entendiera cuán seria y poderosa era este personaje. No realmente pensamos que podríamos castearla.”

Pero entonces pensaron: “Podríamos simplemente preguntar.”

Lo hicieron. Y Streep dijo que sí.

“Cuando le mostramos la película en Zoom antes de que firmara, conectó con el material. Se rió mucho. Cuando la grabamos, había un sentido de juego, de facilidad, de alegría en trabajar con ella”, recuerda Grindle.

Cabe señalar que finalmente estamos viendo el debut de la actriz en una película del estudio.

Ese es un tipo de apuesta que Pixar permite raramente. Pero Hoppers la permitió. Porque el tono de la película dejaba espacio para algo así.

¿Cómo está abordando el dilema de la IA en Pixar?

Hacia el final de las entrevistas con el equipo creativo, surgió algo no planificado: la inteligencia artificial.

Pixar formó recientemente un comité interdepartamental para pensar cómo integrar IA en sus procesos de forma ética. Gaston Ugarte, como representante del departamento de modelado, explicó la posición del estudio:

“Hace poco formamos un comité con supervisores de distintos departamentos. Estamos viendo cómo integrar la IA de una forma ética, que no impacte al artista y a las cosas que nosotros sabemos que hacemos muy bien”.

¿Cuál es ese plan? “Usar IA para facilitar el trabajo tedioso de una producción 3D. Renderizar más rápido. Ser más eficientes. Facilitar a los animadores que terminen sus animaciones, el pulido quizás con IA. Pero que no toque la parte artística”.

Luis Uribe fue más directo: “La posición del estudio es que no se use IA para generar contenido: ni guion, ni concept art, ni animación”.

¿Por qué importa esto en Hoppers? Porque la película existe porque hubo humanos en una sala. Humanos que se grabaron a sí mismos haciendo el acting. Humanos que dibujaron, diseñaron, iteraron 84 veces. Humanos que fueron a Colorado de noche a buscar castores.

“Hoppers” es, tácitamente, defensa del trabajo humano en la era de la IA.

Por qué Hoppers importa

Cuando salgas de “Hoppers” el 6 de marzo, probablemente te rías. Hay momentos que te van a emocionar. Pero lo que recordarás es que viste algo que Pixar no había hecho antes.

El ritmo es diferente. La comedia es más ácida. Los personajes tienen aristas. Hay tomas de cámara que parecen robadas de un sitcom. Hay énfasis en lo absurdo que no es típico del canon Pixar.

Eso fue permitido porque un director de televisión llegó a un estudio de 30 películas y dijo: “Quiero hacer algo diferente.”

Y Pixar (después de “Toy Story”, “Finding Nemo”, “Inside Out”, “Coco”) dijo que sí.

Eso es más valioso que un presupuesto. Es confianza creativa. Es voluntad de riesgo. Es admitir que incluso después de tres décadas, todavía hay territorio sin explorar.

Es difícil determinar si “Hoppers” va a ser la película más exitosa de Pixar. Probablemente no gane un Oscar. Pero representa algo crítico en el presente de la industria: la posibilidad de que los estudios sigan permitiendo experimentación. Que dejen entrar nuevas voces. Que se rompan fórmulas ganadoras en favor de algo fresco.

Eso, después de todo lo que hemos visto en Hollywood estos años, es un acto de valentía creativa.

Sigue leyendo:

• Así se hizo Zootopia 2: del taller para socios disfuncionales al mercado acuático más ambicioso de Disney

• La revolución silenciosa: Cómo “Elio” redefinió la colaboración en Pixar

• Harry Styles donará parte de los ingresos de su gira a teatros pequeños de Reino Unido